Nos peurs refoulées

Consigne : Ma problématique, une odyssée !

Avoir choisi la peur comme thème principal était presque incontournable. Il s’agit de comprendre la manière dont le réalisateur, avec finalement peu de moyens, a fait sursauter les spectateurs, et ainsi associé la créature à une icône de l’horreur. Qui n’a pas été terrifié par le jaillissement du Facehugger de son œuf ? Qui n’a pas été choqué par la scène du dîner et la naissance du « huitième passager » ? La première fois que l’on regarde ce film, quasiment en huis clos, on ne peut pas s’attendre à la tournure qu’il va prendre. Mais alors, quelle est la raison d’une telle frayeur devant cette œuvre : La morphologie particulière de l’alien ? La mise en scène particulièrement sombre ? Ou le fait que ces créatures représentent des aspects sombres de notre personnalité ?

Pour remonter le fil de ma pensée, je compte m’appuyer sur deux principales thématiques : le viol et la matrice. Je ferais même un rapprochement en parlant du viol de la matrice. Dans le film, le viol n’est exposé qu’à travers des références : celles des formes des différentes créatures, ou encore celles du vaisseau. Des allusions sont également présentes dans le jeu de certains acteurs. La matrice quant à elle, est présente pendant toute la durée du film, à travers une lutte entre l’Homme et la machine. Cette lutte est illustrée par Maman, l’intelligence artificielle. Pour finir, une relation sera établie avec la peur inconsciente que nous pouvons avoir vis-à-vis de notre relation actuelle avec la machine.

Vincent DUQUENNOY

Le corps messager

Consigne : Ma problématique, une odyssée !

Lorsque l’on visionne un film, notre capacité à regarder est directement sollicitée. En effet, les images avec lesquelles nous établissons le premier contact nous disent beaucoup. Steve McQueen, réalisateur de trois longs-métrages extrêmement axés sur le champ du visuel l’a bien compris. Plasticien de renommée, il répercute ses travaux précédents, basés sur la représentation du corps, sur l’ensemble de sa filmographie. En établissant un rapport direct entre narration et esthétisme, il parvient à faire converger son personnage principal et des notions bibliques. Ma problématique se dessine alors : Peut-on dire qu’en établissant un lien entre Bobby Sands et la figure christique, Steve McQueen traite de la souffrance des corps?

Lorsque je me suis lancée dans mon travail d’analyse, j’ai d’abord visionné les  travaux précédents de l’auteur. J’ai tout de suite remarqué que le réalisateur axait ses œuvres sur le corps humain et sur son traitement. En me plongeant  particulièrement sur l’étude de  Hunger, j’ai constaté que ma théorie s’avérait juste et que le corps représentait l’un des aspects majeurs du film. C’est à ce moment précis qu’une question s’est imposée à moi : en travaillant ce corps meurtri, quel message le réalisateur souhaite-il nous faire passer ? En étudiant de manière plus globale le film, j’ai compris qu’un parallèle était établi entre le personnage principal et Jésus Christ. Dès lors, j’ai commencé l’analyse des images représentant le corps en tentant de déceler tous les indices renvoyant au Christ.

Emilie D.

Mémoire d’un voyage

Consigne : Ma problématique, une odyssée !

Travailler le thème de la maternité dans un film dont le sujet principal n’est pas celui-ci rend, selon moi, la recherche encore plus intéressante. Il ne s’agit pas là d’une sorte de masochisme qui viserait à faire compliqué quand on pourrait faire plus simple, mais faire un voyage dans un endroit inconnu m’a semblé pouvoir le rendre encore plus enrichissant. En effet, la maternité est visible au-delà des personnages des mères présentes dans le film. La maternité est à prendre dans un sens large car c’est une odyssée qui ne se limite pas au fait de donner la vie. La maternité est bien plus complexe encore. Ce travail de recherche a pour but de comprendre la pluralité de ce terme et en quoi Pedro Almodovar, dans La piel que habito, nous donne à voir de nouveaux modèles de maternité.

Muni de ma longue vue et de ma boussole, j’ai vu ce pèlerinage vers l’univers de Pedro Almodovar comme pouvant être compliqué, de par le nombre de chemins pouvant être empruntés. Un film riche et aux nombreux thèmes impose des choix. J’ai pensé à prendre la direction du genre et du transsexualisme en pensant que l’objet le plus important du film était là. Mais le voyage était risqué. C’est alors qu’une autre voie s’est ouverte : la question de l’enfermement. Encore une fois je ne savais pas comment prendre cette route. C’est enfin la maternité qui m’est apparue comme meilleur moyen d’appréhender le film, en tentant de montrer en quoi le réalisateur nous donne à voir, à travers les personnages du films, de nouveaux modèles de maternité et comment il met un pied dans la modernité. Mais plus que d’arriver à une conclusion, c’est le trajet qui aura été utilisé qui aura son importance.

Sylvestre

Petit à petit, l’oiseau fait son nid!

Consigne : Ma problématique, une odyssée !

Petit à petit l'oiseau fait son nid
Mon objet d’étude porte sur le succès international du film japonais Princesse Mononoké. L’idée est de mettre en avant le fait qu’un film, au demeurant ancré dans sa culture, est arrivé à traverser ses frontières et à toucher un public mondial. La perspective qu’un film puisse être apprécié dans des pays de cultures et d’histoires différentes me parait très intéressante. Chercher un facteur qui permet alors le succès d’un tel film est encore plus passionnant. En effet, le cinéma est un média permettant d’étudier notre société et de mieux aborder notre monde puis ses problématiques. Il me semble donc important d’utiliser le film comme un outil sociologique permettant de mettre en lumière des questionnements et réflexions sur une époque. Ainsi, je m’interroge sur ce qui a permis au film Princesse Mononoké de séduire à l’étranger?

Pour arriver à trouver mon objet d’étude, je me suis posée deux questions : qu’est-ce qui m’intéresse dans ce film ? Et qu’est-ce que je veux en dire ? Puis j’ai rédigé une liste de tout ce qui m’interpellait : l’opposition entre l’homme et la nature, la question de la place de la femme dans la société, les personnages à la fois mystérieux et complexes, l’inspiration de la culture japonaise. Puis j’ai pris du recul sur cette énumération pour trouver des points communs et dégager une idée. Qu’est-ce qui pouvait rassembler tous ces concepts ? Ainsi, ces notions m’ont fait penser à mes cours de sciences sociales. C’est à ce moment-là que tout paru plus clair et me permis de développer une problématique et un plan.

Lisa Delpech

Une esthétique problématique

Consigne : Ma problématique, une odyssée !

L’objet de mon mémoire porte sur l’esthétisme dans le cinéma d’Amos Gitai.  J’ai choisi cet angle car je pense qu’il est essentiel dans  le domaine de l’audiovisuel de décrypter l’image. Le cinéma est un art visuel avant tout, on ne peut en faire une lecture uniquement narrative.  Les images, elles aussi, constituent une forme de narration, pour cela il faut creuser leur sens caché. Amos Gitai a fait ses armes en tant que réalisateur de documentaires, il cherche à produire du « réel » au travers des images qu’il tourne, à la limite du « docu-fiction ». La question qui en découle est la suivante : Quelles représentations de la communauté Juive ultra-orthodoxe, la caméra d’Amos Gitai met – elle en lumière ? »

L’étude de cet esthétisme s’est imposée d’elle-même. Lorsqu’on visionne « Kadosh » les images nous suggèrent implicitement de nombreuses significations. Plusieurs scènes sont des rites du Judaïsme reproduits à l’identique. Au départ, je ne comprenais pas  ce qu’Amos Gitai voulait représenter. Après avoir fait des recherches j’ai compris les rituels. Dès lors les mouvements de caméra, les décors, les couleurs m’ont frappés. Mon esprit était prisonnier de la narration à vouloir absolument tout comprendre, les indices étaient pourtant devant moi, dans l’esthétique qui compose chaque scène. Au travers de cet esthétisme, l’enfermement et la servitude volontaire engendrent une libération inéluctable des personnages.

Alexia DI CIOCCIO