[B3, G1] Le champ des possibles

Penser une série, c’est bien, mais ce n’est pas suffisant. Il faut aussi savoir comment on va la tourner et surtout avec quoi. Pour cette année, la réponse est simple, concentrée en un seul terme : MovieStorm. Littéralement, la tempête des films ; une expression bien solennelle, dans la lignée de la méthode du brainstorming qui vise très certainement à rendre accessible à toute la population la création de films animés en 3D grâce à un prix abordable et des outils très intuitifs.

Toutefois, dans une optique d’auto-analyse et de professionnalisation inhérente à notre formation, nous nous sommes interrogés sur ce logiciel et sur sa capacité à soutenir un travail de qualité semi-professionnelle. Aussi avons-nous distingué chronologiquement trois étapes dans notre analyse de Moviestorm : les a priori vis-à-vis du logiciel, la confrontation avec lui et les perspectives d’utilisation.

A priori

Avant même d’évoquer Moviestorm s’est posé la question de la pertinence de l’usage de la 3D à la place de la prise de vue pour la réalisation des épisodes de Profession Etudiant. Si l’intérêt artistique et la décision d’ordre pédagogique ne peuvent et ne doivent en aucun cas être remis en cause, le procédé pose bien quelques difficultés d’ordre technique. Tout d’abord, aucun membre de la promotion n’avait entendu parler de Moviestorm auparavant. Or, cela implique une nécessaire formation sur un outil inconnu et encore moins familier que les caméras. Plus généralement, la manipulation de la 3D nécessite une complète maitrise de l’outil car tout ce qui apparaitra à l’écran hormis le scénario est créé à partir du logiciel. Puis, il était à craindre que l’usage d’un procédé totalement virtuel ne nous permette pas de tisser et de développer le lien humain qui peut s’établir entre toutes les personnes participant à la conception d’un projet audiovisuel, et notamment du lien avec les acteurs qui, ici, n’existent pas physiquement et ne sont que des polygones déshumanisés. A l’heure où le lien social se distend, la question, bien que parallèle, n’est pas totalement dépourvue de sens.

Ensuite, un autre doute avait germé par rapport au marché du travail et à la vision que les professionnels de l’audiovisuel pouvaient avoir d’une telle expérience. En effet, Moviestorm n’est-il pas un logiciel essentiellement destiné à une communauté de passionnés, plutôt qu’à un usage foncièrement professionnel ?

Enfin, il faut avouer que Moviestorm donnait l’impression de pouvoir réaliser davantage une maquette animée qu’un véritable film ambitieux. Si l’aspect du contenu du logiciel fait immanquablement penser aux Sims, on pouvait regretter justement cette impression de prendre en main un jeu vidéo que, pour sa part, Gabriel méprise ostensiblement.

Les préjugés ont toujours la vie dure, et il faut pourtant concevoir notre websérie avec certaines contraintes inhérentes au monde de l’audiovisuel. Ainsi, comment un élément technique peut-il orienter notre travail de création dans une voie précise ?

Confrontation

Il y a de cela quelques semaines, nous avons chacun pu nous confronter à ce logiciel souffrant jusqu’alors de nos préjugés. Si les premières minutes de contact semblèrent confirmer cette idée préconçue de contraintes multiples et handicapantes, la période d’adaptation et de prise en main qui suivit chamboula nos à priori. Certes chaque membre du groupe eut une expérience différente avec le programme mais en combinant nos trois vécus, nous arrivons à un même constat :

Moviestorm est un logiciel de réalisation de film d’animation accessible aux non-initiés, en ce sens il est simple d’utilisation et permet une création d’un contenu 3D plus rapide qu’en conditions plus professionnelles et techniques. Il présente également l’avantage d’engendrer de moindres coûts de production puisqu’il ne nécessite pas l’utilisation de matériel et d’équipe de prise de vue et de son. En outre, il permet l’exécution de mouvements de caméra élaborés sans les contraintes matérielles des travelings et loumas… Il offre, de plus, une panoplie de décors qu’il est impossible de créer à l’université, tels qu’une salle de concert, un loft new-yorkais ou même la maison blanche. La faculté est également laissée de créer son propre décor, sans frais là aussi. Néanmoins de simples éléments de mise en scène semblent être difficiles à exécuter. Chloé par exemple s’est employée une heure durant à faire passer le balai à son personnage, et en vain. L’important ici est donc de savoir déjouer les limites du logiciel et être enclin à modifier quelque peu ses exigences. Ainsi, dans le cadre d’un exercice visant à réaliser une scène du dernier Métro de François Truffaut sur Moviestorm, Manon a souhaité donner du sens visuel à la réplique d’Arlette : « Vous voulez l’heure ? Il est sept heures moins vingt. ». Pour cela, elle a tenté une première fois de faire porter une montre à son personnage mais n’y est pas parvenue. Elle a de ce fait essayé de trouver un autre moyen de lire et donner l’heure à Bernard. En consultant la liste des objets disponibles, elle a opté pour le téléphone portable qu’elle a fait ouvrir par Arlette, puis pour montrer l’heure à Bernard, elle a exploré la liste des gestes exécutables par son personnage pour finalement opter pour « lever le bras droit ». Mission accomplie ! C’est en passant à la réplique de Bernard, « Non merci, j’ai une montre. » qu’elle résolu son premier problème et parvint à faire regarder son poignet à Bernard et mieux à lui faire porter une montre en revenant à la rubrique de création de personnage plutôt qu’en consultant la liste d’objets disponibles.  En clair, en faisant preuve de souplesse et en explorant toutes les rubriques du logiciel, il est possible d’effectuer un plus grand nombre de choses que ne le laissait présager ce logiciel.

Corpus

Moviestorm est en effet un logiciel 3D adapté au plus grand nombre. Avec un peu de pratique et beaucoup de patience pour les non anglicistes (car le logiciel est en anglais), il s’avère que l’on peut effectuer un large choix de manœuvres, qu’il s’agisse de l’élaboration de décors ou des actions proposées pour les personnages et laisser ainsi cours à notre imagination. On peut créer divers personnages, masculins ou féminins, d’origines, de tailles et de corpulences différentes et leur faire prendre vie grâce à la panoplie d’actions proposées dans le logiciel. A force de travailler et d’expérimenter le logiciel et ses fonctions, il est possible par exemple, de faire de nos personnages des virtuoses du piano, des athlètes de haut niveau ou bien même des tueurs en série (!). Car l’avantage de Moviestorm est la diversité des scénarios que l’on peut effectuer, y compris au niveau de l’ambiance et du ton que l’on veut donner à notre animation. Beaucoup d’utilisateurs en profitent pour laisser libre cours à leurs envies « loufoques », parfois quelques peut morbides d’apprentis cinéastes d’horreur. En effet certains internautes se sont donné à cœur joie pour « maltraiter » leurs personnages en les faisant mourir ou pire en les mutilant, profitant de la 3D pour donner un aspect « humour noir » à leurs productions, comme dans la vidéo « Gone in 30 seconds » [« Poulet noir » 2010] où un malheureux homme d’affaire perd son téléphone portable dans un bassin rempli de piranhas et se retrouve le bras ronger jusqu’à l’os … Bien sur loin de nous l’envie de retranscrire cette folie meurtrière chez nos 4 chers étudiants de notre web série, il est intéressant de savoir jusqu’où s’étendent nos possibilités de manœuvres.

Autre avantage de Moviestorm, il est très facile de créer une ambiance générale et donner une direction à la vidéo, ce qui plonge le spectateur dans telle ou telle univers.

Dephil Rice
2011

Sur le site officiel de Moviestorm, les vidéos créées sont répertoriées par catégories allant de la comédie au drame en passant par l’action. Par le biais des « mouvements de caméras », de cadrages ou de la bande son utilisées, on se retrouve rapidement au cœur d’une atmosphère joyeuse ou angoissante, comme nous le montre beaucoup de vidéos basées sur « le thriller », très en vogue avec ce logiciel. On retrouve ce procédé avec la vidéo « Thy neighbor » [Phil Rice dit « Overman » Zarathustra studio 2010] court métrage de la catégorie « horror » qui dès les premières secondes nous emmène dans un climat inquiétant. Une jeune femme est seule chez elle devant sa télévision et décide de sortir dans son jardin, intriguée par un bruit venant de l’extérieur. Dans cette vidéo le hors champ est important et nous permet de comprendre rapidement ce qui attends la pauvre jeune femme …

Moviestorm est donc un atout pour retranscrire les sentiments que nous voulons exercer sur les spectateurs.

De plus, avec Moviestorm nous ne sommes pas limités dans la durée de la vidéo. Beaucoup d’entre elles sont considérées comme de véritables courts métrages, débordant de dialogues ou d’actions. En visionnant ces vidéos, nous nous sommes aperçus que la plus part des actions basiques étaient réalisables, comme le fait de manger, boire un verre d’eau ou encore de fumer une cigarette, malgré notre essai peu concluant en atelier. Autre chose surprenante, il est également possible d’effectuer des modifications corporelles sur nos personnages (marques de coups et blessures après une bagarre par exemple) comme nous le témoigne la vidéo « Blind date and matter of fate » [Logan Payne 2011, 04’56]. Bien évidemment le logiciel montre ses limites quand certaines actions révèlent des dysfonctionnements au niveau de la 3D, par exemple lorsque qu’un verre se renverse [Logan Payne 2011, 07’00] ou que les cheveux d’un personnage fusionne avec le décor … [Logan Payne 2011, 07’11].

Logan Payne
2010

Après de nombreuses observations, Moviestorm reste tout de même une bonne alternative pour traduire ce que nous voulons représenter avec notre web série « Profession étudiant ». Il nous faut juste apprendre à maîtriser toutes les capacités de ce logiciel.

Défi

En partant de nos à priori, nous avons peu à peu élargi le champ des possibles grâce à nos expérimentations sur Moviestorm et plus encore en nous appuyant sur un corpus de films réalisés grâce à ce logiciel. Aujourd’hui nous entamons donc l’écriture de notre web fiction en tenant compte des limites du logiciel certes mais avec tout de même d’incroyables possibilités de réalisation. Ici démarre notre défi créatif ; et ces contraintes, qui s’apparentaient hier à des freins, constituent désormais des moteurs de création, ce sont ces limites qui vont booster notre inventivité et faire de notre web épisode un contenu inédit et original. Défi accepté !

 Manon Harsigny, Gabriel Feuvrier, Chloé Hernandez

Filmographie : www.moviestorm.co.uk

POULET NOIR [2010] « Gone in 30 seconds »

PHIL RICE dit  Overman  [2010] « Thy neighbor », Zarathustra studio

LOGAN PAYNE  [2011] « Blind date and matter of fate »

Florent P.

Écriveur, théâtreur, dessineur, dreameur.

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[B3, G4] Écriture, premier round

Entre inspiration, désaccords et négociations, voici le premier round dans l’écriture de notre continuité dialoguée de Profession : étudiant. Nous employons le terme « round » car l’écriture est tout sauf un long processus tranquille. Quand la création débute par le manque d’inspiration, on se trouve souvent face à une feuille blanche. Et on se surprend à griffonner davantage dans la marge qu’à s’occuper vraiment du coeur de notre question. Il y a aussi les mésententes sur la caractérisation des quatre personnages, les désaccords sur le noyau du récit, nous risquons de nous égarer, de perdre du temps, et de nous arracher quelques poignées de cheveux. Afin d’éviter tout cela, nous avons voulu organiser notre travail et choisi de travailler en deux temps : d’abord poursuivre la caractérisation de nos personnages, puis amorcer l’écriture scénaristique non dialoguée, des processus que nous allons détailler dans ce troisième billet.

 

Figure 2 : Angoisse de la page blanche

Un questionnaire qui interroge la vie étudiante

Comme nous l’avions précisé dans notre précédent billet, les entretiens semi-directifs sont pour nous non seulement une source d’inspiration mais aussi une manière de compléter les portraits prédéfinis lors du cours de fiction scénaristique de J.-P. Ronssin. D’autant plus qu’à force d’y réfléchir, de s’observer intérieurement et mutuellement, on ne sait plus vraiment comment définir ce qu’est un étudiant.

Comment donner suffisamment de consistance à nos personnages pour qu’en toutes situations ils soient des étudiants crédibles ?

Notre stratégie est donc d’effectuer un véritable repérage et de trouver des profils correspondant au maximum à nos quatre personnages, en filtrant par âge et par filière.

Le questionnement qui dirigera nos entretiens sera le suivant : ces étudiants sont-ils des étudiants « prêts à l’emploi », qui aspirent à intégrer prochainement la vie active, ou sont-ils des étudiants de l’esprit, davantage tournés vers la recherche ? Cette recherche tournée vers l’étudiant sera donc déductive. Une fois les résultats consignés, nous entamerons une réflexion sur la manière de les relier aux profils élaborés en cours, d’affiner ces portraits sans les déformer. La fusion de ces informations nous permettra d’imaginer clairement nos personnages : intonations, gestuelles, expressions types, mais aussi aspirations ou angoisses.

L’importance du questionnement et de la tension dans un scénario

La continuité non-dialoguée sur laquelle nous travaillons actuellement est le véritable cœur de notre projet. Tout l’enjeu de la réussite et de la crédibilité de notre histoire est là. Les dialogues ne seront qu’une sorte de peau qui viendra s’ajouter plus tard dans l’avancement du projet. Les dialogues qui peuvent paraître si primordiaux ne représentent qu’en fait une petite part du travail. D’ores et déjà, il nous faut penser à l’histoire bien sûr, mais aussi à l’ambiance, aux détails, à ce que chacun pense et aux relations entre les personnages. La continuité non-dialoguée, c’est plus simplement la description de tout ce qui se passe dans l’histoire.

C’est lors du cours de J.-P. Ronssin que nous avons eu une prise de conscience : cette écriture n’est pas forcément linéaire, il faut avant tout partir en quête d’une tension qui provoquera un conflit à résoudre, le désir de quelque chose amorcera la force constructrice de l’histoire. Les personnages se positionneront de manière quasi logique par rapport à cette tension en fonction de leurs caractères. Le fait de commencer à écrire avant d’avoir terminé nos entretiens semi-directifs n’est pas réellement un problème étant donné que ces résultats affineront les personnages prédéfinis et apporteront éventuellement des idées supplémentaires qui se juxtaposeront sur notre « tension » de départ.

Figure 3 : Case départ

Le véritable souci de l’écriture repose peut-être en notre capacité à écouter tout ce qui est dit, à accepter d’abandonner les idées que nous avions pu avoir pour en choisir de meilleures. Il est souvent difficile de se détacher d’un travail que l’on a déjà fourni. Par exemple nous souhaitions à l’origine aborder un problème étudiant « classique » dans notre scénario comme les problèmes administratifs ou le stress en période d’examen. J.-P. Ronssin nous conseille d’abandonner cette voie et d’opter pour un autre angle de réflexion : ne pas partir d’un thème mais d’une question à résoudre. Afin de pouvoir capter l’attention de l’internaute J.-P. Ronssin nous conseille également de mettre en scène un problème comique ou dramatique.

Ainsi, nous revoilà au début de l’écriture, à la case départ, à laquelle un grand réalisateur comme Quentin Tarantino est ramené constamment.

« Chaque début d’écriture est un retour à la case départ. Et la case départ, c’est un endroit où l’on se sent très seul. Un endroit où aucun de vos accomplissements passés ne comptent. » (1)

Le cadre de jeu

Pour ne pas perdre de temps à rectifier le tir plus tard, nous essayons de ne pas perdre de vue les contraintes qui nous sont imposées. Le logiciel MovieStorm est la plus importante d’entre elles. En effet, il serait réellement frustrant de concevoir un scénario de qualité qui nous conviendrait à toutes les trois mais que la technique du logiciel ne pourrait pas supporter.

L’une d’entre nous s’est penchée sur la question des limites du logiciel. Ce qui en ressort est que ses possibilités sont tout de même très étendues et qu’il existe de nombreux plugs-in permettant beaucoup d’excentricités. Nous travaillons néanmoins sur une version gratuite et un niveau seulement amateur concernant l’animation, impossible donc de faire débarquer une troupe d’extra-terrestres d’une soucoupe. De plus, les détails trop petits sont à exclure (exemple : un scénario autour d’un bijou, un gros plan sur l’écran d’un téléphone portable etc.).

L’expressivité des personnages est également limitée. Nous ne pouvons donc pas nous reposer sur nos lauriers en nous disant qu’un acteur talentueux fera passer toute l’émotion nécessaire à l’écran. La « tension » dont nous parlions plus haut ne peut donc pas reposer sur nos personnages, mais sur une intrigue bien construite et des dialogues forts et percutants. La situation doit rester crédible pour qu’elle ne devienne pas risible, dans le sens négatif du terme.

Notre espace de création présente désormais un nouveau critère qui a tout d’abord été accueilli avec perplexité mais dont nous comprenons maintenant l’intérêt et les nouvelles portes que cela ouvre en matière de scénarios. Il nous est demandé de concentrer notre action en un unique décor et pourquoi pas de faire de notre épisode un plan-séquence. C’est très certainement dans le but, une nouvelle fois, de nous simplifier la tâche en ce qui concerne la conception des décors sur le logiciel MovieStorm. Notre enthousiasme était un peu retombé à l’écoute de cette nouvelle. Cependant, notre enseignant en scénario a su, à l’aide de quelques exemples bien choisis, nous démontrer l’intérêt de ce choix. Il est vrai que beaucoup de mini-séries ont adopté ce format : temps relativement court, dialogues percutants, peu de personnages et un seul décor. Il nous cite des mini-séries de la chaîne M6 comme Caméra Café ou plus récemment Scènes de Ménage.

Le chemin est encore long avant d’arriver à trouver une voie qui nous convienne à toutes les trois. Plusieurs idées fusent de tous les côtés, des décisions vont devoir être prises : quel style de narration adopter ? Quel lieu ? Quel(s) personnage(s) sera(ont) présent(s) ? Suite au prochain épisode …

Florence DELAVAUD, Emeline D., Sarah KARRAY

 

(1)  Quentin Tarantino, cite in en ligne : http://www.mots-auteurs.fr/auteurs_citations/quentin-tarantino.htm,  dernière consultation 25 novembre 2012

 

Illustrations

 

Figure 1 (photo à la une)
Titre : Catch mexicain
Auteur : Joe Klamar pour l’AFP (Agence Française de Presse)
Date de prise de vue : 4 mai 2012
Légende : Ding ! Ding ! Ding ! La cloche sonne et le match démarre. Chacune d’entre nous propose des idées, qui sont directement mises K.O., au tapis, c’est fini. D’autres idées sont plus intrusives, pénètrent la défense et restent dans nos mémoires.

Figure 2
Titre : Angoisse de la page blanche
Auteur : Sarah KARRAY ; idée originale de Florence DELAVAUD, Emeline D., Sarah KARRAY
Date de prise de vue : 10 novembre 2012
Légende : Angoisse de la page blanche électronique. À l’heure où tout un tas d’informations circulent sur le grand web, où les pages sont couvertes de mots, de signes, de photographies, la page blanche électronique en fait paniquer plus d’un.

Figure 3
Titre : Case départ
Auteur : Sarah KARRAY; idée originale de Florence DELAVAUD, Emeline D., Sarah KARRAY
Date de prise de vue : 10 novembre 2012
Légende : Les idées s’entremêlent, certaines restent, d’autres disparaissent. La peur de la page blanche est totalement communicante à celle de la case départ. Devrons-nous tout recommencer ? Nos idées ne sont-elles pas assez originales ou envisageables par rapport au logiciel MovieStorm ? Sont-elles trop extravagantes ? Réponse au prochain billet.

 

 

Florent P.

Écriveur, théâtreur, dessineur, dreameur.

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[B3, G7] De la réflexion à l’image

Passer de l’œil aiguisé à l’esprit analytique :

Nous avons tout deux eu l’occasion, à plusieurs reprises, de nous confronter au milieu professionnel dans le domaine audiovisuel. C’est quelque chose qui nous passionne, cela va sans dire. De part nos diverses expériences (stage, travail, ou encore association) nous avons concrètement pratiqué un bon nombre d’outils, que ce soit le cadrage, la post-production, ou bien encore le montage. Brice a notamment exercé le métier de Journaliste Reporter d’Images pour un journal télévisé, et Romain a réalisé une web série fictionnelle. En discutant, on s’est vite rendu compte qu’on avait tous les deux les mêmes réflexes en visionnant un film, un documentaire, ou un reportage.

En effet, des questions nous reviennent souvent : « Mais où ont-ils placé leur caméra ? Comment il fait pour cadrer comme ça ? Tiens, c’est un plan intéressant ! Comment il arrive à faire cet effet sous Final Cut ? » A vrai dire, ces questions récurrentes ont tendance à nous altérer l’esprit, à tel point qu’on perd le fil de la narration ou de l’histoire. C’est pratiquement une obsession. Mais cela démontre une chose : notre esprit est aiguisé pour le cinéma. Fatalement, les cours que nous avons suivi pendant notre cursus respectif, ont exercé cet esprit d’observation et critique face à tout type d’œuvre audiovisuelle. Un point a particulièrement retenu notre attention en ce début d’année, c’est la classification des types de documentaires.

C’était pour nous quelque chose d’inconnu et qui nous a permis de nous mettre dans la peau d’analystes, plutôt que dans celle de simples observateurs des aspects esthétiques. On s’explique : il existe un genre documentaire, celui dit « du regard ». Pour faire court et simple, comme son nom l’indique, il s’agit d’un genre dans lequel le réalisateur fait passer ses idées (son « regard ») de manière parfois claire, parfois dissimulée. Et c’est là que réside tout l’enjeu de l’analyse. C’est aussi un genre qui s’intéresse fréquemment à un sujet peu traité, à un angle inhabituel.

Figure 2

Un regard nouveau sur le métier d’éclairagiste de théâtre : la lumière comme matière première de la création :

C’est dans cette démarche de « regard » que nous avons voulu aborder notre web documentaire cette année. Il était dont pour nous important de trouver un angle inhabituel. Ainsi, sur la pièce « Les Nouveaux Barbares », nous avons décidé de parler du travail de l’équipe technique. S’intéresser à ceux qui sont sur scène lorsque l’on parle de théâtre était une manière trop classique de procéder. Nous nous sommes tournés vers les « hommes de l’ombres », ceux qui ne sont pas sur le devant de la scène, mais sont indispensables à la création de l’œuvre théâtrale. Ces « hommes de l’hombre », ce sont les éclairagistes. (Cf. notre second billet « Mise en lumière ».)

Pourquoi ne se focaliser que sur un seul de ces postes techniques ? Pour découvrir tout les aspects d’un métier que nous n’avons justement pas l’habitude de voir, d’en démontrer la nécessité. Nous souhaiterions donc comprendre la démarche créative de l’éclairagiste de théâtre, dans son travail de mise en lumière d’une scène de théâtre. Il s’agirait de connaître son attachement au scénario, aux thèmes traités par la pièce — sachant qu’il s’agit d’un sujet de société lourd, à savoir, les relations et les malaises au travail. A-t-il un rôle de simple exécutant ? Au contraire, s’implique-t-il/s’immisce-t-il complètement dans le sujet ? Comment met-il en œuvre les directives du metteur en scène ?

Face à ces questions, nous ne partons pas de zéro. Nous avons déjà eu la chance de rencontrer Frédéric El Kaïm, le metteur en scène de la pièce. Il nous a parlé du rôle de son éclairagiste et, pour lui, la réponse est simple : « L’éclairage est complémentaire à la scénographie. Une bonne conception d’éclairage doit suivre la ligne dramaturgique, pour créer les ambiances voulues, susciter les bonnes impressions chez le spectateur. » On apprend, au fil de la conversation, que les deux hommes travailleront en étroite collaboration et accompliront ensemble la création lumière. L’un soufflera à l’autre des idées et des remarques, pour mieux avancer, ou tout du moins, aller dans la même direction.

Figure 3
Figure 3

Grâce à nos expériences antérieures, nous savions déjà que le rôle de la lumière était fondamental pour la création d’une œuvre, qu’elle soit théâtrale ou audiovisuelle. Un élément est tout de même à différencier entre théâtre et cinéma : au cinéma, la lumière doit reproduire, simuler et s’inspirer du réel, alors qu’au théâtre, elle est modelée, utilisée pour mettre en avant une partie de la scène, ou encore pour symboliser, par exemple, un lieu ou un état d’esprit.

Mise en lumière : découvrir le professionnel derrière le visage de l’homme : 

Enfin, il nous a été demandé d’écrire la note d’intention de réalisation, afin de justifier nos choix, notamment concernant le thème choisi. C’est aussi l’occasion pour nous de coucher sur le papier les prémisses de ce que nous pressentons en terme de réalisation concrète de notre projet. C’est, par exemple, le moment de penser aux différents cadrages, éclairages et ambiances sonores. De nos premières réflexions, nous avons réussi à dégager une première ébauche de ce que devrait être la réalisation finale.

En ce qui concerne l’interview de l’éclairagiste de la pièce « Les Nouveaux Barbares », nous voulons nous inspirer du documentaire de Gianfranco Rosi « El Siccario ». Ce documentaire, sous forme d’entretien, donne la parole à un ancien bourreau des cartels de drogues, au Mexique, dont le visage est masqué pendant toute la durée du film. Un peu à cette image, pour notre éclairagiste, nous voulons un entretien intimiste, dans une ambiance très peu lumineuse, du moins, au début. (Nous rappelons que cette interview fera partie d’un web documentaire, prenant la forme d‘un diaporama de photos accompagné d’une bande sonore.) A mesure que l’entretien progressera, qu’on en apprendra plus sur son métier, le visage de notre homme s’éclairera de plus en plus, jusqu’à ce qu’on le discerne clairement. Ces images de son visage, de plus en plus éclairé, seraient donc le fil rouge de l’entretien, mais seraient entrecoupées d’autres illustrations qui pourraient être, par exemple, un jeu esthétique sur les ombres des comédiens en scène. Cette ébauche est évidemment perfectible, mais a le mérite de donner le ton sur ce que nous souhaitons réaliser.

Brice G. et Romain Gallon

Illustrations

Figure 1 (image à la une)

Titre : Perso

Auteur : Marc Mateus

Date de prise de vue : le 30 septembre 2008

Lien URL : http://www.flickr.com/photos/dolarz/2903099075/

Légende : Est-ce le regard qui capte la lumière ou la lumière qui accroche le regard ? Ici, le jeu d’ombre laisse à peine entrevoir les contours du visage. Tout comme le héros de notre futur documentaire, cet homme semble se révéler lentement. Son regard, qui nous retient, nous rappelle à quel point l’objectif du photographe-observateur doit avant tout créer un échange…

Figure 2

Titre : Le regard du réel/réal

Auteur : Brice Gouronnec

Date de prise de vue : le 20 novembre 2012

Légende : On observe ici le geste symbolique du réalisateur de Cinéma lors d’un repérage d’une scène. Ce geste au premier plan, reflète le cadrage 16/9ème qui correspond aux dimensions d’un écran de Cinéma. On y voit en second plan le regard si particulier du réalisateur qui analyse et étudie le plan.

Figure 3

Titre : Jeux d’ombres

Auteur : Romain Gallon

Date de prise de vue : le 15 septembre 2009

Légende : Image extraite de la pièce « On s’aime, nous non plus« , de la troupe des Apartés. Une simple ombre chinoise sur un écran blanc faisait office de reconstitution d’une cuisine. Le théâtre fait appel à l’imagination du spectateur…

Florent P.

Écriveur, théâtreur, dessineur, dreameur.

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[B3, G9] Réajustement

Changement de cap suite à la rencontre des comédiens

Quels sont les rapports entre comédiens et metteur en scène ? Rapport de force1, confrontation, ou au contraire travail à l’unisson ?

Dans l’article “Tyrannie des metteurs en scène et des chorégraphes. Au nom de la création” [Laflute 2009], Isabelle Huppert compare l’acteur à un aveugle au bord d’une falaise qui met sa vie entre les mains du metteur en scène. Cette illustration de la comédienne montre le rapport, le lien fort, présent entre ces deux personnes.

Rencontre avec la troupe

En rencontrant la troupe et en la voyant au travail, nous avons pu sentir l’ambiance de travail. Il s’avère que c’est Frédéric le “chef”, c’est à dire l’auteur de la pièce et de la mise en scène, mais tout le monde l’a voulu ainsi. Il a été décidé d’un commun accord que l’auteur/metteur en scène avait le rôle d’écrire, et que les comédiens avaient le rôle de jouer, de mettre en vie les personnages, les situations. De plus, le metteur en scène assume parfaitement que c’est à lui de trancher et les comédiens ont choisi ce mode de fonctionnement. Ce sont même eux qui lui auraient demandé de les diriger, et donc de s’affirmer comme chef/leader de la troupe. Cette posture nous l’avons apprise lors de notre rencontre avec la troupe. Pour nous le terme « chef » rend cette figure d’autorité plus proche de ses collaborateurs contrairement au terme « boss » qui renvoie au boss de très grosses entreprises, d’une personne fière de son statut alors que le terme « chef » désigne une posture mais non pas un état d’esprit supérieur en tout point.

Par ailleurs les niveaux humains et professionnels se mêlent, parfois on n’est plus vraiment sûrs s’ils s’adressent les uns aux autres en tant qu’amis ou collègues. C’est cette proximité qui rend le rôle de Frédéric intriguant à nos yeux, car au niveau humain, il est l’égal des comédiens. Comment faire alors pour prendre le rôle de chef quand on se met au travail, sans gâcher la confiance et la bonne humeur établie au niveau humain ? Car dans certains aspects ces relations s’apparentent à celles établies entre un maître d’école et ses élèves (une relation oscillant entre autorité et bonne entente).

Figure 2 : Le Maître…

Après ces deux rencontres, il a fallu revenir sur notre synopsis et notre note d’intention. Ils étaient légèrement décalés par rapport à ce que nous avions pu observer et ne correspondaient plus à la réalité que nous voulons montrer. Nous nous sommes rendues compte que la question n’est peut-être pas celle de savoir s’il y a un chef ou non, mais plutôt de savoir comment le chef se comporte, et dans le cas présent, comment il fait pour être le chef (organisation2 hiérarchique3) alors que sa vision des choses le pousse à vouloir l’égalité dans sa troupe4. Et nous nous demandons maintenant aussi comment sont pris les conseils, les ordres, les demandes par les acteurs. C’est en se confrontant à la réalité que nous avons pu préciser nos intentions. Nous avons donc réécrit le synopsis et la note d’intention en tenant compte du réajustement de cette question.

Nous avons réalisé cela en voyant la troupe pour la première fois mardi matin, et cela s’est considérablement confirmé vendredi matin. Ce changement de questionnement est venu progressivement en observant les comédiens s’adresser l’un à l’autre et s’adresser au metteur en scène, et en parlant avec eux de leur façon de travailler en tant que troupe. Il se dégageait d’eux une ambiance un peu « colonie de vacances » dans l’espace de la cuisine, et une fois le seuil de la salle de répétition franchi, l’ambiance devenait plus studieuse, celle d’un professeur avec ses élèves. Le niveau « humain » existerait dans l’espace de la cuisine et le niveau « travail » dans la salle de répétition. Serait-ce ainsi que Frédéric arrive à distinguer son rôle d’ami de son rôle de chef ? Les comédiens jouant le rôle d’ami dans la cuisine puis d’élèves plus ou moins studieux dans la partie salle de répétition.

Figure 3 : … Et ses élèves

Section dictionnaire

Nous avons aussi pour intention de préciser notre vocabulaire, pour cela nous avons décidé de nous pencher sur les définitions exactes de ces différents termes et aussi de leurs différents synonymes. Nous nous sommes rendues compte que nous utilisions un vocabulaire très précis sans forcément en connaitre toutes ses nuances ni ses synonymes.

1 Rapports de forces : Relation de confrontation entre plusieurs parties en termes de violence physique ou psychique. Si les parties impliquées dans le rapport de force ont un pouvoir inégal, on distingue la partie dominante et la partie dominée. Lorsqu’une confrontation est résolue par le libre jeu du rapport de force, on se trouve dans le cadre de la Loi du plus fort. Synonymes : confrontation, instabilité, hiérarchie.

2 Organisation : Mode selon lequel un ensemble est structuré (en vue de résultats, d’actions déterminés). Synonymes : disposition, économie, hiérarchie, ordre, régime, schéma.

3 Hiérarchie : Organisation fondée sur un ordre de priorité entre les éléments d’un ensemble ou sur des rapports de subordination entre les membres d’un groupe. Synonymes : échelle, filière, grade, rang, classification, coordination, distribution, échelonnement, étagement, gradation, structure.

4 Troupe : Ensemble de personnes qui se déplacent dans un même lieu ou agissent de concert. Synonymes : groupe, regroupement, ensemble.

Qu’est ce qu’une troupe de théâtre ? Une troupe de théâtre, appelé également compagnie, se définit comme un regroupement d’artistes et de professionnels du spectacle ayant un projet artistique commun. Ce terme ne correspond pas en soit à une structure juridique précise, il renvoie en réalité à un panel d’organisations différentes.

Mariane P. et Lucille Hunter

Bibliographie

LAFLUTE Céline [2009], “Tyrannie des metteurs en scène et des chorégraphes. Au nom de la création”, Evene.fr, 14/01/2009, En ligne http://www.evene.fr/theatre/actualite/metteur-en-scene-choregraphe-tyran-theatre-1754.php Dernière consultation le 8/11/12 à 13h20

La définition de “rapports de forces” est issue du dictionnaire “sensagent” En ligne http://dictionnaire.sensagent.com/rapport+de+force/fr-fr/ Dernière consultation le 8/11/12 à 13h40.

Les autres définitions sont issues du Trésor de la Langue Française informatisé, En ligne http://atilf.atilf.fr/ Dernière consultation le 8/11/12 à 13h30.

Illustrations

Figure 1 (photo à la une)

Titre : Réajustement

Auteur : Mariane P.

Date de création : 8 novembre 2012

Légende : Cette image représente notre réajustement face à l’idée initiale qu’un chef écrasait le reste de la troupe.

Figure 2

Titre : Le maître…

Auteur : Lucille Hunter – Lisa D.

Date de prise de vue : 2 novembre 2012

Légende : Frédéric dans la salle de répétition, en position de professeur des écoles. Photographie prise dans le vif de l’action sans déranger Frédéric qui est en plein travail de réflexion.

Figure 3

Titre : … Et ses élèves

Auteur : Lucille Hunter – Lisa D.

Date de prise de vue : 2 novembre 2012

Légende : Les comédiens, élèves à canaliser assis face à leur professeur. Cette photographie à été prise en pleine réunion tel un photo reporter en complète immersion pour rendre compte de son environnement.

Florent P.

Écriveur, théâtreur, dessineur, dreameur.

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[B3, G8] S’apprivoiser

Notre première rencontre avec Frédéric El Kaïm a eu lieu à la faculté. Le rendez-vous avait été organisé par Blandine Schmidt. Une fois arrivé, le metteur en scène a commencé à nous parler de sa pièce et de toutes les informations qu’il avait pu récolter sur la violence au travail.
Nous n’avons pratiquement pas posé de questions. Nous n’en avions d’ailleurs pas besoin car Frédéric El Kaïm croit tellement à son projet que nous étions juste fascinés.
C’est également ce qu’il s’est passé lorsque nous l’avons retrouvé à la salle de théâtre, tout du moins au début. Nous pensions au départ que nous allions simplement visiter la salle de répétition. Nous n’avions donc pas convenu de questions au préalable puisque nous ne pensions pas avoir le temps de l’interroger. Cependant, nous avions déjà réfléchi à la thématique de la censure. Nous disposions alors de plusieurs pistes de réflexion à approfondir.
Étant arrivées en retard, nous n’étions pas très à l’aise et nous avons donc laissé Blandine interroger Frédéric El Kaïm, tout en essayant de retenir les informations importantes et de nous adapter afin de poser des questions à notre tour. Puis, Blandine s’est absentée un moment nous avons donc poursuivi seules la conversation.

Au début, nous trouvions tout intéressant et nous rebondissions sur les propos de Frédéric El Kaïm, sans forcément penser à notre thématique. Il était plus intéressant de connaître l’univers de la pièce ou même les convictions les plus profondes de Frédéric El Kaïm, plutôt que de s’axer sur un seul thème. Ainsi, tandis que Frédéric El Kaïm était parfaitement à l’aise, nous commencions seulement à nous adapter et prendre nos marques.
Blandine nous a alors annoncé qu’elle devait s’en aller, assez surprises sur le moment, il était cependant évident que nous devions profiter de ce moment pour en apprendre plus sur le développement de la pièce. Étant les deux seules présentes, c’était l’occasion de nous “apprivoiser”. Le côté “amadouer l’autre” nous fait penser au film Big fish de Tim Burton (1). Dans ce film, le contexte n’est évidemment pas le même mais le fond est similaire. Nous sommes comme Will Bloom qui cherche à attraper le gros poisson sauvage incarné par son père, Edward Bloom. A l’instar du fils, nous devons discerner le vrai du faux, la théorie de la pratique, les paroles conscientes des faits et gestes inconscients de nos interlocuteurs. Mais nous comprenons bien que c’est finalement dans les histoires racontées que l’on peut comprendre la vérité.

Frédéric El Kaïm était à notre disposition car les techniciens rencontraient des problèmes dans la salle de répétition. A 13h, il s’est préparé à manger et nous nous sommes installés à table. La discussion a repris sans discontinuité. C’est à ce moment que nous sommes parvenues à établir un véritable contact avec le metteur en scène.
N’étant pas familières des interviews, la conversation nous échappait parfois car nous n’arrivions pas à la recentrer sur la thématique que nous voulions creuser. Mais nous pensons qu’avec le temps, nos questions se feront de plus en plus précises à mesure que nous maîtriserons notre sujet. D’autre part, la relation de confiance que nous établissons avec Frédéric El Kaïm nous permettra d’être plus entreprenantes lors de l’interview, et donc éventuellement de le couper dans ses digressions. D’un autre côté, même lorsqu’il déviait de la question initiale, il y avait toujours quelque chose d’intéressant à retenir de ses propos.
Finalement, nous avons dû partir à notre tour bien que nous aurions souhaité rester plus longtemps. Sur le chemin du retour, nous avons partagé nos ressentis et nous sommes arrivées à la même conclusion : nous étions parvenus à nous apprivoiser autour de cette table de cuisine.

Figure 2 Frédéric passe à table

Cette conversation nous a permis d’en apprendre plus sur la genèse de la pièce mais également de cerner un peu mieux les motivations du metteur en scène. En effet, la première rencontre était en quelque sorte officielle (promotion de son projet), alors que la deuxième était plus intimiste et ressemblait plus à une discussion entre adultes sans intérêt sous-jacent. C’est donc grâce à cette rencontre que nous avons pu rassembler les idées que nous mettrons en avant dans notre documentaire, et avancer plus concrètement dans la rédaction de notre note d’intention.
Nous sommes retournées au théâtre quelques semaines plus tard afin de faire la connaissance des comédiens et assister à la réalisation des vidéos qui seront diffusées sur internet pour la promotion de la pièce. Malheureusement, Frédéric El Kaïm a rencontré des problèmes techniques lors de la réalisation de ces vidéos, ce qui a causé du retard vis-à-vis du planning de la journée.
Il ne nous a donc pas été possible de prolonger notre conversation avec le metteur en scène. Ceci nous a démontré que beaucoup de conditions doivent être réunies afin de parvenir à une véritable rencontre, et que celles-ci sont la plupart du temps indépendantes de notre volonté. Nous devons donc être capable de nous adapter à toutes éventualités, mais également de nous tenir disponible et à l’écoute dès que cela s’avère nécessaire. Quoi qu’il en soit, nous avons quand même pu entrevoir les liens professionnels et amicaux qui existent à travers cette troupe. Ce rendez-vous a aussi été l’occasion d’avoir une première approche avec les comédiens. Ce rendez-vous a vraiment été passionnant. Nous avons pu observer les comédiens entre eux et les écouter lire leurs textes. Ils ont été captivants et c’est à ce moment que nous nous sommes aperçues du professionnalisme de ces comédiens.

Figure 3 : Lecture et discussions

« L’entretien constitue toujours une intrusion dans la vie des personnes contactées : dans leur agenda et leur temps personnel, mais aussi dans leur intimité et leur monde personnel » [Demazière, 2008]. Dans le but de limiter cette intrusion, nous nous devons en tant qu’apprenties documentaristes d’instaurer une relation de confiance vis à vis des personnes que nous interrogerons. D’autant plus que cela pourra s’avérer bénéfique puisque notre témoin se livrera sans doute davantage s’il est certain que nous respecterons ses paroles.

Désormais, nous avons une idée beaucoup plus précise et concrète de ce que sera la pièce de Frédéric El-Kaïm. Nous connaissons les enjeux et les points de “discorde” qui se posent lors de l’écriture d’une pièce telle que Les nouveaux barbares. Nous avons même pu obtenir des informations supplémentaires qui nous aideront à développer notre webdocumentaire.
En tout cas, grâce à ces différents rendez-vous, nous nous apercevons qu’il faut du temps pour obtenir les éléments essentiels qui feront toute la différence. Mais surtout s’il faut du temps, c’est bien parce qu’il faut apprendre à connaître la personne que l’on a en face de nous. Il faut s’adapter à elle et qu’elle s’habitue à nous. Ce n’est pas forcément chose aisée mais progressivement, on y arrive.

Lisa D., Lauriane Paganon

(1) Big Fish, Tim Burton, 2003

Bibliographie

DEMAZIERE Didier [2008], «L’entretien biographique comme interaction négociations», Langage et société, n°123, 2008.  

Illustrations

Figure 1 (photo à la une)
Titre : The blessing of communication
Auteur : Ben Heine
Date de prise de vue : 05 juin 2008
Lien URL : http://www.flickr.com/photos/benheine/2555783766/
Légende : Parvenir à établir une relation de confiance demande de la patience, mais le résultat est souvent à la hauteur des efforts réalisés.

Figure 2
Titre : Frédéric passe à table
Auteur : Lisa D.
Date de prise de vue : 30 octobre 2012
Légende : Frédéric El Kaïm parle de son projet et des vidéos des acteurs qu’il a tourné pour promouvoir sa pièce.

Figure 3
Titre : Lecture et discussions
Auteur : Lisa D.
Date de prise de vue : 02 novembre 2012
Légende : Les comédiens et le metteur en scène discutent et débattent sur des éléments du texte.

Florent P.

Écriveur, théâtreur, dessineur, dreameur.

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